Oliver Peters是一名獨立的視頻/電影剪輯師、調色師、後期製作總監以及谘詢師。從1970年開始，Oliver Peters就從事於音頻、視頻以及電影業行業，曾多次獲得獎項，包括國內外的各種獎項，這篇文章摘自他的個人博客，希望對大家的剪輯有所幫助。
1、剪輯要緊湊
最好的方法即剪輯緊張場麵但不使之過分剪短。這意味著需要剪輯掉演員對話中的不必要停頓，縮短每句話中間的空白部分，甚至可以減去冗長不重要的對話，不過在剪去對話前，請先征求導演的意見。
通常來說，我的方法是一開始就剪輯出精確的版本，而非剪出較長的電影再縮減。大部分電影觀眾的注意力一般不超過90分鍾，相當於一般電影的長度，如果初剪完後電影長度大約100分鍾，那你基本上還需繼續剪到90分鍾才能使電影更緊湊；但如果初剪完後電影長達兩個小時甚至更長，那就需要“動大手術”了。
2、臨時音樂
許多剪輯師喜歡用臨時背景音樂剪輯電影，把臨時音樂當做占位符。在此我提出兩個不提倡該做法的個原因：
第一，一旦人們喜歡上臨時音樂就很難再找到感覺不錯的合適配樂。
第二，臨時音樂會成為你的“精神支柱”。當無趣的場景配上有趣的音樂時，你會更加寬容。我更願意剪輯出有力的電影場麵並通過適當的編輯使它完美呈現。如果一個場景可以自己站得住腳，那配樂會錦上添花，唯一的例外是蒙太奇鏡頭的音樂設置。因此，我在剪輯時候可以做的更好。
3、不要使用法網剪輯方法
最初的法網電視連續劇都是使用特定對話剪輯方式：聲音與畫麵完全同步，不存在重疊部分。
常用的方法是：剪A畫麵—A講完對白—剪B畫麵—B講完—剪回A畫麵，就這樣一直輪流剪輯下去。
剪輯大師沃爾特·默奇將這種剪輯方法命名為法網風格剪輯法。但事實上，觀眾對與聲音和畫麵剪輯不重合的反應更好。我認為這種剪輯方法更貼近現實生活，我們先是聽到有人開始說話，然後才抬頭去看，或者一個人正在說話，我們會看我們朋友的反應。這種剪輯方法更貼近人的自然反應，會使影片更加流暢。
4、動作配合
使用演員手勢、道具、視線或者走位是剪輯方法之一。但沃爾特·默奇說，最好的方式是讓情緒自然流露，或者剪出流暢的敘事節奏，技術上的剪輯反而是最不需要考慮的。但也絕不可忽略的是，因為動作不相配會讓觀眾難以入戲，然而一個編輯朋友經常告訴我，“過分注重匹配會束縛剪輯”。如果觀眾能完全入戲，那他們常常會忽略那些鏡頭存在的不連續問題，剪輯師的職責就是盡量使觀眾融入劇情之中。
5、移動拍攝鏡頭
移動鏡頭是拍攝動作片的主要方式，可以是軌道攝影機、旋臂攝影機、攝影機穩定器或手持攝影機。動作電影通常要呈現出緊張的氛圍，當我在剪輯電影時，喜歡在鏡頭運動時作剪輯，保證一個接一個的鏡頭都處於運動狀態，但許多導演並不同意，他們更喜歡在攝影機開始移動前或停止移動後才剪輯。但我更喜歡緊湊的剪輯方式，讓觀眾目不暇接。
6、不要一直用同一個角度進行剪輯
如果導演拍攝了許多不同角度的鏡頭，不要一直機械的切回到同樣角度，或者重讀不久前使用的同一係類鏡位。當然，在一個對話場景中隻有兩個角度，難以避免重複剪輯，但是如果導演根據不同需要、不同鏡頭框架進行拍攝，那不妨通過剪輯體現導演的意圖。不要被剪輯規則束縛，比如主鏡頭/單鏡頭/反轉，主鏡頭/單鏡頭/反轉等等，可以嚐試混搭一下。
7、鏡頭三個一組
當需要切換場景時，通常都是三個一組，至少保持1.5到2秒也可更長。舉個例子，在主角進入房間環顧四周的場景時，以三個為一組的剪輯視點鏡頭可以直觀展示給觀眾主角所看到的整個場景，模仿我們真實的世界讓觀眾身臨其境。
8、重點剪輯演員的眼睛
演員在電視上、電影中和舞台上都是憑臉蛋吸引人注意的，但最重要的還是演員的眼睛。當剪輯激烈的對話場景時，我都注意演員的眼睛，看他們是否會傳達出適當的情緒？對戲的演員會反應如何？演員的表演決定我的剪輯。這個原則使我更專注於傳達對話的主要演員，而剪掉其他人的反應。
9、排除演員表演中的“空氣”
和第一點相似，我喜歡緊湊的剪輯。注意大多數演員的表演是誇張、超過合適程度的動作，演員會強調停頓、若增加腳本的要求會帶來更多的錯誤、表現的更為口吃、瞥的時間更長，但剪輯的職責是通過適當剪輯使表演恢複正常，剪掉冗長動作和對白，使電影真實而不做作。
10、形成故事情節
據說世界上有三種電影：劇本型、拍攝型、剪輯型。無論你剪輯哪一種類型時，都要高度注意故事脈絡，不要害怕改變劇本或拍攝內容，隻要是有意義為之。許多剪輯師都是利用在畫麵分鏡劇本作記錄來呈現視覺上故事的情節，這可以幫助你確定以最通順的邏輯故事呈現給觀眾。
11、利用數字輔助設備
像現代的NLEs和Finishing Techniques這樣的數字媒介會提供給製作人很多輔助工具。比如，數字圖像可以放大很多倍，你可以用這些工具變焦拍攝者放大一個鏡頭來拍攝廣闊場景或特寫鏡頭，如果用的是用RED數字攝像配35mm膠片拍攝那會很容易做到。隻要保證圖像質量，不必害怕拉近焦距拍攝。
許多剪輯師經常討論用多畫麵屏幕來進行剪輯。通常是指兩個演員的時間安排與預設不符（比如在一個過肩鏡頭或雙人特寫鏡頭中）但是可以剪輯出適當的場景節奏，放慢兩個演員間的時間。如果攝像機被鎖定，演員動作重疊的部分不太複雜，那麼可以用更簡單的方法創造全新的OTS鏡頭，會產生一種兩個演員在表演時間選擇上有所偏差的視覺效應。
12、做自己的選擇但也要考慮其他人
剪輯師的職責是形成故事情節、把握電影節奏，最重要的一點是幫助導演達到創造性的視覺效果，但是你也要有自己的想法，大部分剪輯師都是獨立完成初剪的，這是你在電影界打上鮮明個人烙印的第一個機會。當初剪完成後，導演會和剪輯師通力合作把剪輯變成導演想要的版本。
你在剪輯和改變某一演員的表演時所做的種種選擇都會影響了觀眾的觀影感受，比如，剪掉對話中重複的部分可以增強畫麵的緊張感，傳達出這一點，即使拍攝完畢剪輯工作也不可怠慢。剪輯師做出的決定可以輕易改變場景傳達出的感情，因此任何決定必須服從劇情。當然，隻要有符合邏輯的理由並且導演同意時你才能作這樣的剪輯，如果不同意就要提供備選方案。
我喜歡在選擇最好的場景前回顧一下取景鏡頭。起初，導演也許從四個鏡頭中標記了第三個和第四個為取景範圍，我實際上可能開始用第一個鏡頭，接著用第四個鏡頭的後半段。在反複簡介演員的對話對白時，會經常剪掉包含很少取景鏡頭的過場場景。雖然你已經想好了解釋你所做剪輯的理由，但也要準備好應對改變。
大部分導演不會在後期製作時回顧每一個取景鏡頭，而是根據你剪輯表演的版本進行修改，無論是否欣賞演員的表演，如果他們的確欣賞某一演員的不同表演，他們會建議修改剪輯或從取景鏡頭找到合適的部分。剪輯的場景越讓人感覺煥然一新並呈現出最令人信服的表演，導演就會越認同你的技術。
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