西方藝術流派有哪些？佛羅倫薩畫派的由來和作品賞析

在13世紀末的意大利，藝術與科學的全新革命，揭開了近代歐洲曆史的序幕，這一階段被認為是中古時代和近代的分界，這就是大名鼎鼎的-文藝複興。文藝複興是從13世紀末在意大利各大城市興起，並逐步擴展至西歐各國，於16世紀在歐洲盛行的一場思想文化運動。當時的佛羅倫薩是意大利中部的一座重要城市，聚集在這裏的畫家們跟隨時代步伐開始高舉人文主義旗幟，與教會神權做鬥爭，從而確立了一種新型的世俗文化，此時的繪畫也展現出了新的人文主義麵貌，而佛羅倫薩畫派的誕生便是這一變革的標誌。

文藝複興時期。在繪畫領域，藝術家們進行了人性的探索，讓二維的平麵呈現出三維空間感，實現了古希臘人所追求的錯覺性的效果，讓觀賞者把藝術品當做真實生活的再現，將繪畫看做是可感可觸的事物。在此有必要解釋一下“文藝複興”是複興什麼？“文藝複興"這個詞首先是由米開朗基羅的弟子瓦薩裏提出來的。他在《著名畫家、雕塑家、建築家傳》一書中，把歐洲藝術發展整個過程分為3個時期：1，古希臘時期，這個時期創造了燦爛的藝術品，藝術一度繁榮；2.中世紀時期此時開始否定古希臘的藝術成就。在瓦薩裏看來，藝術走入了低穀，他把這個時期稱為黑暗時期；3.文藝複興時期，此時佛羅倫薩出現了空前的經濟和文化繁榮，成為“黑暗”中世紀歐洲的一盞明燈。當時意大利的佛羅倫薩新文化運動打著“複興”古代希臘羅馬文化的旗幟，把矛頭直指教會神權統治。剛剛登上曆史舞台的資產階級，還沒有一套成熟完備的思想體係，而要同中世紀基督教神學力量進行鬥爭，必須要有強大的思想武器，他們認為這個武器便是世俗的、理性的古希臘羅馬文化。所以文藝複興“複興”的是古希臘藝術。盡管這些古典藝術在中世紀時被斥為異端邪說，禁銀千年之久，新興的資產階級思想家和藝術家們照樣讓它們再現光彩。

文藝複興可分為3個時期：初期、盛期和晚期。初期和盛期若按地域歸類可分為佛羅倫薩畫派和羅馬畫派，其中米開朗基羅和拉斐爾都在羅馬展現自己的藝術才華，因此也可以說是羅馬畫派。晚期代表是以畫家提香為代表的威尼斯畫派，如圖3-1所示。

佛羅倫薩作為意大利文藝複興的發祥地，擁有得天獨厚的自然條件和物質文化基礎。它作為水陸交通要道，手工業和商業的發達促進了該地經濟的發展。15世紀時，佛羅倫薩為新興崛起的巨商美第奇家族所統治，掌握了當時的政治與經濟權力，之後的三百年中，佛羅倫薩的曆史與美第奇家族的興衰緊密地結合在一起。美第奇家族酷愛藝術，在其保護和資助下，使佛羅倫薩聚集了眾多文藝人才，這些卓越的藝術家們為其創造了大量的建築、雕塑和繪畫作品，使佛羅倫薩一時成為歐洲文藝複興時期藝術文化和思想的中心。作為文藝複興的發祥地，佛羅倫薩的藝術家在藝術觀念、題材和表現上都形成了獨有的個性特征。繪畫藝術的內容依舊以傳統基督教《聖經》為題材，但自從被譽為“歐洲繪畫之父”的喬托開始進行繪畫新領域的探索之後，畫家們開始將世俗生活注入了神的形象創作中。把自己塑造的宗教人物變成了有血有肉、有思想感情的凡人。藝術家們還引進科學成果，將解剖學、透視學和光學原理成功運用到作品中。

如圖3-2所示，這幅是中世紀畫家畫的《聖母子》；如圖3-3所示，這是喬托在1310年的作品《聖母子》。從表麵上看兩幅作品區別不大，頭上都有聖光，神情冷峻，身姿呆板。但是仔細比較會發現很多不同。其一，在喬托的筆下，聖母穿了一件漂亮的內衣，顯然這源於生活。喬托恢複了古希臘的藝術原則：藝術模仿自然。這個原則具有指向標的劃時代意義，文藝複興的藝術就是依循這條原則走向輝煌的。其二，喬托的畫麵有了凹凸感（縱深感），而中世紀的《聖母子》是平麵化的。喬托在二維的平麵上表現了一個真實的人，使觀眾產生了三維錯覺，這種透視法對以後藝術家的作品產生了深遠影響。

文藝複興早期的藝術家們非常注重表現空間透視與人物的結構造型，並善於運用線條透視原理。這一時期最著名的代表畫家就是馬薩喬。馬薩喬原名托馬索·迪喬瓦尼·迪西莫內·圭迪，馬薩喬是其綽號。他作風懶散，除了藝術，對什麼都漠不關心，性格放蕩不霸，但在藝術上很受同行們的尊重。馬薩喬的繪畫成就標誌著意大利文藝複興繪畫早期的繁榮，他是文藝複興時期現實主義繪畫的奠定人。他將解剖學、透視學運用到繪畫上，具有科學探索的精神。文藝複興盛期三傑-達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾都曾認真研究過他的作品。1428年馬薩喬離開佛羅倫薩前往羅馬.

不久就傳來他死去的消息，這位年僅27歲的畫家把喬托未盡的事業大大地推進了一截，所以他有“喬托再世”的美譽。馬薩喬是意大利文藝複興的先驅，他短暫的一生帶來了一場繪畫革命，他是最早在畫麵上自由地運用透視法來處理三維空間關係的優秀畫家，是能在衣服褶皺下隱現人體結構並廣泛運用明暗對比手法的人。圖3-4所示是馬薩喬的《聖三位一體》。所謂“聖三位一體”就是指聖父、聖子及聖靈三位一體。在十字架後麵留著絡腮胡須且威嚴莊重的老者是聖父耶和華，十字架上的人是聖子耶穌，聖靈按照傳統畫成一隻飛翔的白鴿。神壇兩側是聖母和約翰，神塞外麵兩個人是施舍人。藝術家用工整嚴謹的線條透視表現了神龕的縱深空間。不留意甚至會誤以為這是一樁雕塑，可見這幅畫的透視感表現得太成功了！

另外，馬薩喬還將風景融入構圖，擴大了畫麵範圍效果，使畫麵視覺更加寬闊。他還把風景和人物相結合，開創了新的繪畫潮流。他的繪畫技法成為西歐美術發展的基礎。

在美第奇家族掌權期間，有一位名叫波提切利的畫家為他們作了多幅名畫，聲名大噪。1477年波提切利以詩人波利蒂安歌頌愛神維納斯的長詩為主題，為羅倫佐·美第奇新購置的別墅繪製了著名的《春》，如圖3-5所示。這幅畫的繪畫風格在當時頗為與眾不同，不是強調明暗法來表現人體造型，而是更強調輪廓線，使人體有淺浮雕的感覺，極富裝飾效果。在滿地鮮花、結滿金色果實的幽靜密林中，中間出現了象征著愛與美的女神維納斯，儀態端莊的女神肌膚潔白，金色的長發，無愧為是完美的化身。在她的召喚下，春天來了。畫麵最左側的是眾神使者赫爾墨斯，他正在用手中的雙蛇和平之杖驅散冬天裏的陰耀。畫麵最右側是長有翅膀身著藍色披風的風神，她把春神送往人間，春神借助風神之力，將鮮花灑向花神。此時女神維納斯的頭上飛來了愛神丘比特，他蒙若眼睛將象征著愛情的箭射向人間。象征“華美"、“貞淑”和“歡悅”的美惠三女神身著透明的紗衣，繃朗起舞。這是一幅描繪大地回春，歡樂愉快的主題。然而，畫中人物的神態，並無歡樂之氣氛，反而像春天裏吹來一陣西北風，籠罩著一層春寒和哀愁；若有所思的維納斯，旁若無人，進入自己的內心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，頗有逢場作戲的感覺。

自文藝複興開始，人文主義精神滲入藝術創作，畫家往往借助於宗教神話題材和神的形象，寄托自己對社會、自然和人生的思想情感，傳達自己的理想，在波提切利所塑造的藝術形象中，都寓含著對現實的惶恐不安。此時的波提切利體弱多病，抱病從命作畫，這種心境所創造的藝術形象自然也就憂都哀傷了，可見此時的畫作已經附著了作者的情感，大大提升了藝術的高度。

如果說喬托是意大利佛羅倫薩畫派的第一位畫家，那麼波提切利就是文藝複興初期佛羅倫薩最後一位畫家；如果說喬托是文藝複興初期的開拓者，那麼波提切利就是文藝複興初期的完成者。波提切利後期的繪畫中又增加了許多以古典神話為題材的作品，風格典雅、秀美。特別是他大量采用教會反對的異教題材，大膽地畫全裸的人物，對以後繪畫的發展影響很大。《春》和《維納斯的誕生》是最能體現他繪畫風格的代表性作品。波提切利還是意大利肖像畫的先驅者。

16世紀上半葉，意大利雖然處於戰亂，但是依舊阻止不了文藝複興盛期的到來。這個時期藝術領域的競爭趨向激烈，畫家們廣泛探索自然科學與藝術文化，取得了更大的藝術成就。此時的佛羅倫薩畫派對前輩們取得的成就加以概括與總結，同時更重視解剖和透視等基本法則，強調畫麵的視覺效果。這段時期的繪畫題材從宗教擴大到現實生活，他們開始對自然景色加以關注，在人物形象上更加苛刻，塑造出了更加完美的形象。著重表現畫中人物複雜的內心世界。文藝複興盛期最具代表性的3位大師是：達·芬奇、米開朗基羅和拉斐爾。他們被譽為“文藝複興三傑"，不僅把繪畫技巧提升到前所未有的高度，而且為美術理論的建立立下了不朽的功勳。

達·芬奇在作畫時，反對機械式的模仿，他要求通過對人外形的表麵描繪，挖掘人內在的精神氣質和性格特征。如圖3-6所示，《蒙娜麗莎》是一幅享有盛譽的肖像畫傑作，代表了達·芬奇的最高藝術成就。這幅畫成功地塑造了資本主義上升時期一位城市資產階級的婦女形象。蒙娜麗莎真實名叫麗莎·喬宮多，是一名佛羅倫薩絲綢商人的妻子，育有六名子女，過著舒適無憂的平凡中產階級生活，畫像時她24歲，當時剛失去了女兒，悲傷、壓抑。據說，達·芬奇為了讓她麵露笑容，特別請了樂隊為她演奏、唱歌和講笑話。蒙娜麗莎的感情世界是複雜的，達·芬奇通過自己敏銳的觀察和精湛的技藝，真實再現了她複雜的情感。五百多年來，人們一直對《蒙娜麗莎》神秘的微笑揣測不斷，甚至同一觀賞者在不同時間欣賞這幅作品都有不同的感受。她的微笑時而給人溫柔舒暢、時而哀傷壓抑、時而嚴肅嘲諷。畫作不能像雕塑一樣光線變化明顯，但是在蒙娜麗莎的臉上，微暗的陰影若隱若現，為她的雙眼與唇部披上了一層麵紗，而她的笑容正是靠這兩個部位來體現的。達·芬奇利用“無界漸變著色法”，使其各自都沒有明確的界線，從而誕生了讓所有人都提摸不透的“神秘微笑”。荷蘭的一所大學利用“情感識別軟件”分析出蒙娜麗莎的微笑包含的內容及比例：高興83%、厭惡9%、恐懼6%、憤怒2%。

在構圖上，達·芬奇改變了以往畫肖像畫時采用側麵半身或截至胸部的習慣，代之以正麵的胸像構圖，將透視點略微上升，使構圖呈三角形，這樣蒙娜麗莎就顯得更加端莊、穩重。另外，通過看她後麵的背景和透視關係，讓我們看到了一個立體的活人，左右透視不一，從左至右欣賞時。蒙娜麗莎好像在逐漸下降，反之則相反。

達·芬奇不僅是偉大的畫家，而且是一位學識淵博的科學家、寓言家、雕塑家、音樂家、哲學家、醫學家、生物學家、地理學家、工程師和發明家，可謂“通才”。他在1482年向米蘭大公所寫的自薦信上稱自己首先是軍事工程師，其次是建築工程師和水利專家，最後才是畫家和雕塑家。他一方麵熱忠於藝術創作和理論研究，研究如何用線條與立體造型去表現形體的各種問題；另一方麵他也研究自然科學，為了實現真實感人的藝術形象，他廣泛地研究與繪畫有關的光學、數學、地質學、生物學等多種學科，他的藝術實踐和科學探索精神對後代產生了重大而深遠的影響。他的代表作還有《抱銀鼠的女子》、《維特魯威人》、《最後的晚餐》等。

作為文藝複興的巨匠，米開朗基羅以他超時空的宏偉巨作，在生前和後世都創造並留下了無與倫比的巨大影響。他和達·芬奇一樣多才多藝，兼雕刻家、畫家、建築家和詩人於一身。他享年89歲，其中有70餘年的藝術生涯，他經曆的人生坎坷和世態炎涼，使他所留下的作品都帶有戲劇般的效果、磅礴的氣勢以及史詩股的悲壯。

如圖3-7所示，《創造亞當》是米開朗基羅壁畫代表作品中的重要部分。因為他在佛羅倫薩的盛名，當時的羅馬教皇尤裏烏斯二世邀他參加製作教皇陵墓，後又中斷。1508年，他被迫接受了西斯廷禮拜堂屋頂壁畫的任務，他當時的心情是氣憤又鬱悶的，不料此壁畫後來成為他生平最大傑作。西斯廷屋頂壁畫麵積達500平方米左右，是美術史上最大的壁畫之一。米開朗基羅在大廳的中央部分按建築邊框畫了連續9幅大小不一的宗教畫，均取材於《聖經》從開天辟地直到洪水方舟的故事。這幅巨型壁畫曆時4年多才完成，由於長期仰麵艱苦作畫，他頸項僵直，書信都要置頭質仰視。壁畫中以《創造亞當》最為出色，畫中亞當的形象體態健壯、氣魄宏偉，具有強大的力量與意誌，顯示了藝術家在寫實的基礎上非同尋常的理想加工，給予同時代人深刻的啟示。

畫麵右上方是上帝在天使們的簇擁下，飛向亞當，畫的左下角是亞當，他全身裸露，倚躺在一座綠色的小山坡上。米開朗基羅在創作這幅畫時，對原來的故事情節稍稍做了一些改動，原來應由上帝將生命的靈魂吹到亞當身上，他將其改為上帝將手伸向亞當，亞當的目光中流露出渴望得到智慧和力量的神色，亞當的左手正緩緩地伸向主神，眼看兩隻手就要接觸，世界也即將在接觸的一瞬間改變，這是創造人類生命最關鍵的一刹那。但是這兩根手指之間的距離卻被米開朗基羅永遠地保留了下來，這段距離讓你我用自己的思考去填補吧！

在致力於領悟前人成就的同時，米開朗基羅致力於解剖人體，研究人體的結構和運動，這使他成為發掘人體力量美表現的美術家。不同於充滿深遂智慧之美的達·芬奇藝術作品，米開朗基羅的作品以力量和激情見長，具有一種英雄精神。他的代表作還有《大衛》、《晨、暮、星、夜》、《摩西》、《被縛的奴隸》和《垂死的奴隸》等。

作為三傑中最年輕的一位，拉斐爾潛心研究各位大師的藝術特點，並認真揣摩，博取眾家之長，尤其是達·芬奇的構圖技法和米開朗基羅的人體表現，最後形成了獨具古典氣質的圓潤秀美風格。代表了當時人們最崇尚的審美趣味，成為後世古典主義繪畫的典範。拉斐爾謝世時年僅37歲，但由於他勤勉地創作，給世人留下了300多幅珍貴的藝術作品。其代表作有油畫《西斯廷聖母》、壁畫《雅典學院》等。

如果說聖母像讓拉斐爾有了自己的風格，那麼梵蒂岡的壁畫則使拉斐爾的藝術成就達到了巔峰。1508年，25歲的拉斐爾離開佛羅倫薩，經他的叔叔-監造聖彼得教堂的建築家布拉曼特推薦，來到羅馬，開始為教皇尤利烏斯二世工作。教皇是一個野心家，他想把意大利所有的優秀藝術家都集中到羅馬，用藝術美化這座城市，使羅馬成為全世界的藝術中心。自1508年開始，曆時10年，拉斐爾為教皇宮殿繪製了大量壁畫，其中以梵蒂岡教皇宮內的4組壁畫最為出色，總題目為《教廷成立及其鞏固》。壁畫分列4室：第一室的畫題是《神學》、《詩學》、《哲學》和《法學》4幅；第二室是歌頌教皇的權力與榮譽；第三室畫的是已故教皇利奧三世與四世的行狀；第四室內的4幅壁畫，係由其學生按照拉斐爾的草稿繪成。而第一室內的《哲學》，也叫《雅典學院》，是該室4幅壁畫中最成功的傑作，如圖3-8所示。

這幅壁畫，以兩位偉大的學者-柏拉圖與亞裏士多德為中心，他們各自左手都拿著一本書，似乎在爭論著世界的本質，一邊爭論一邊向觀眾方向走來。柏拉圖右手手指指天，表示一切均源於神靈的啟示；亞裏士多德是唯物主義者，他用右手手指指地，似乎在說現實世界才是他研究的課題。這兩個對立的手勢，表達了他們思想上的原則性分歧。全畫以縱深展開的高大建築拱門為背景，大廳上彙集著不同時代和領域的著名學者，多達50多位，有以往的思想家，也有當世的名人。他們在自由地討論，場麵熱烈，好像在舉行什麼典禮，洋溢著百家爭鳴的氣氛，凝聚著人類智慧的精華。在建築物兩側的壁毫裏，有兩座雕像，分別是智慧女神雅典娜和音樂之神阿波羅。中心透視點的層層拱門，直通遙遠的天際，這是一個極其神聖的環境，學者們被對稱、自然而富有節奏地安排在台階的兩側，猶如眾星捧月一般，他們有的在注視、有的在研習、有的在諦聽這兩位老人的辯論……

親切自然、平易近人是拉斐爾作品的最大特色。別具匠心的推敲融化在用流利線條構成的輕鬆自如的藝術世界裏，一切都是自然的流露。他所創立的樣式美成為後來學院派古典主義的標準之一。他的風格在《聖母瑪利亞》、《椅中聖母》、《西斯廷聖母》等作品中都得以鮮明的體現。