綜藝剪輯幹貨！爆火的《說唱新世代》後期剪輯技巧分享

經常關注說唱綜藝的朋友應該對《說唱新世代》並不陌生！該節目可謂說是今年綜藝節目中的一匹黑馬，豆瓣評分高達9.2。

《說唱新世代》是嗶哩嗶哩出品的說唱音樂類節目，由黃子韜擔任說唱基地主理人。該節目，目前已經播出九期，下周即將收官。節目將彙聚來自全國各地的rapper，齊聚“說唱基地”。他們將通過層層公演考核，以音樂創作和競演表現，決出代表新世代發聲的“世代表達者”。

作為B站自製的第一部綜藝節目，就擁有如此高的口碑，小破站的實力不容小覷。而這部擁有如此高口碑的說唱節目的導演正是一手締造了極具國民度的綜藝《極限挑戰》的導演——嚴敏！

《說唱新世代》從節目“萬物皆可說唱”的立意，到自身的內容邏輯再到後期製作，都可圈可點！本文，尚濤老師將從綜藝剪輯的角度來為大家拉片分析，這部高口碑的綜藝是如何締造的！

《說唱新世代》的鏡頭剪輯分析

作為一檔舞台競演類綜藝，好的舞台表現力是節目的靈魂。而優秀的作品、舞美還有流暢的運鏡、剪輯(選手表演，燈光舞美，拍攝方案，後期剪輯)這些都是支撐舞台呈現的重要組成要素。這四點就像足球場上的配合默契的組合搭檔，而剪輯就是最後的臨門一腳，它決定著所有鏡頭的最終銜接觀感。那麼，今天我們就來聊一聊，這個節目剪輯部分的一些技巧應用。裏麵有很多方法，其實也可以借鑒到我們平時自己剪的視頻裏麵來。

首先，第一部分，我們要講得就是節奏，在以音樂為主要元素的視頻剪輯中很多同學都把節奏簡單的等同於—“踩點”，我們不否認這種與音樂節拍高度契合的剪輯方式讓我們有一種強迫症被滿足的爽感，但如果你全篇都這麼做一是我們說如果你把所有的鼓點重音都踩中時，那麼片子的整體節奏，反而就會與你漸行漸遠了，所以在這裏我要強調得是節奏不等於卡點，其實我們在剪音樂時，隻需要踩中它30%——50%的節奏點就夠了，我們要明白一個道理，月滿則虧，如果你把所有的拍子都踩死，那麼留給你的鏡頭運轉空間就很少了，並且這樣去剪片子鏡頭會切的很死板!那麼有同學會問了，那合適的接法是怎樣的呢？我們不妨來看接下來這組鏡頭！

這裏我們看到了4個重音拍，而這組鏡頭采用了12不切34切的方法來踩點，我們不需要在每個重音上都切鏡頭，但是效果同樣舒服。所以我們說，片子的節奏追求是一種情緒起伏變化，並不僅僅是踩拍子，節奏永遠要服務於鏡頭內容，不能本末倒置。

再比如舉個栗子！在說唱表演中每當歌手cue到場下選手導師的時候，都會給他們的反應鏡頭，場下觀眾反應的導入，使得舞台的情緒發生了變化或者是升級，這種變化，也是一種節奏。每次觀眾反映過後，現場情緒都得到了進一步的加強。具體我們來看一下，下麵這個片段。

所以說，每個鏡頭，展現它最飽滿的信息量，點到即止，及時切走，這就是鏡頭的節奏。所以依照剛才所講，即使我們把聲音關掉去看，鏡頭也應該是流暢且有節奏的！

是不是這樣～所以我們在檢查自己的片子的鏡頭節奏是否流暢時，也可以嚐試這種方法。如果你的片子在關上音樂後畫麵就變得特別不流暢，或者鏡頭跳，那你的鏡頭組接，可能就屬於這種，你我本無緣，全靠音樂連。一般這種情況下，我們就要在鏡頭銜接上多下功夫了。如果我們在剪輯中，把音樂關掉鏡頭也是流暢的，那麼恭喜你！你的音樂和鏡頭匹配上了旗鼓相當的對手！誰也沒有拖累誰，互相配合錦上添花。

剛才說完了，節奏踩點的處理方法，第二部分我們來聊聊這部片子在燈光運鏡上的利用。對於說唱新世代來說，舞台並不大，機位也不是很多，那麼如何合理利用有限的機位，配合燈光運鏡，拍出MV的氛圍或者是儀式感就顯得尤為重要了，B站的傳統曆來是（省錢達人）小錢辦大事，好鋼用在刀刃上。我們可以看到這個節目有很多掃光和逆光拍攝的鏡頭，節奏慢的章節我們可以用疊化渲染出歌曲的氛圍感和情緒，比如這樣……

換一種處理方式，我們也可以利用逆光衝鏡的瞬間，來作為我們鏡頭的剪切點，視覺上則更具有衝擊力和節奏。比如下麵這組鏡頭。閃光的位置不僅可以在前一個鏡頭的尾部幾幀，也可以用作在後一個鏡頭的開頭幾幀，因為掃光會重置我們的視線位置，就像有個人在你眼前晃了一下，下一個鏡頭我們在視覺上會進行重新的視線跟蹤，所以這種鏡頭後麵，可以銜接的鏡頭選擇也相對比較自由，這就是剪輯上對燈光的利用。當然燈光也可以用作節奏踩點，比如這種光線的變化正好卡在拍子上。所以利用好光影，對於片子的質感和節奏會有很大的提升。

最後我們要講的是運鏡，我們說運鏡往往代表的是一種情緒，開頭的第一番rap我們可以看到，因為情緒相對沒有那麼激烈，運鏡也比較平穩，剪輯師也不會頻繁的去根據節奏去踩點切鏡頭。比如這種，前麵我們說運鏡是一種情緒，情緒是有遞進性的，情緒有激烈和平緩的區分的，在這裏我們可以把情緒替換成鏡頭，再去體會這句話的涵義。所以我們的鏡頭要有快有慢，就和說唱一樣，有副歌的柔情才能突出rap部分的力量，否則音樂就會很平，剪輯也是如此，隨著情緒的深入，鏡頭切換的節奏逐步加快，當音樂進行到高潮時，這裏用搖臂鏡頭掃過，帶起了情緒的升級，鏡頭的切換頻率和運鏡速度也會推向一個前所未有的高潮，甚至可能會快過音樂節拍。

以上就是我想要說的片子的節奏要有一個，你想要向觀眾表達的重點。說唱節奏往往很快，如果前後鏡頭剪接速度沒有分別，你的片子往往也無法達到你所想要的效果。就像我們去寫一個字，落筆有輕有重，寫出來的筆畫文字才有力量！

想和大家說的是，剪輯視頻不要一頭鑽進節奏卡點的死胡同，講好故事，處理好情緒，配合好音樂和舞台的關係才是最重要的。

《說唱新世代》節目敘事邏輯

在第五期的淘汰賽競演過後，不知道屏幕前的同學們，有沒有自己心儀的選手遺憾離場，意難平的同學們可以把選手名字打在彈幕上。不過，既然是比賽有人離開是注定會發生的事。但是離開或者是留下的選手有沒有被觀眾們深深記住?這才是節目組最為關心的重點。現在節目已經進行到第七期了，在看第七期節目的過程中我特意計算了一下舞台演唱部分的總時長，一共29分21秒，第七期節目的總時長是209分鍾，舞台表演占總片比的15%左右。一般的歌唱類節目舞台表現部分所占片比大概是35%-50%，而新世代這個節目用了大量篇幅的真人秀去塑造人物形象，所以也可以看得出來，節目組並沒有很想去強調賽製和輸贏，隻是想讓觀眾記住並盡可能的愛上的每一個選手，就像周密同學說的那樣，說唱其實隻是這個節目的表現形式之一，而節目組真正想呈現的是這些性格各異的新世代。

不過這樣用大量素材去塑造人物的節目呈現方法，隻有兩個缺點，一個就是後期剪輯壓力真的很大，第二個就是每個選手淘汰，觀眾都想爆錘導演組。還記得節目的開篇，黃子韜問過的那個問題麼，想要歌紅還是人紅，現在賽事過半其實嚴導已經給出了自己的答案。要讓觀眾記住人，通過這種方式建立起粉絲粘度，從而使節目有著穩定且持久的口碑和熱度。聽起來是不是和《極限挑戰》內容架構有些相似。不過不同的是，雞條裏的嘉賓都是已經出道的藝人，直接玩起來就是了，而新世代這個節目開篇時每個選手都是素人，想要觀眾認識並喜歡上每個人，剪輯需要在人物日常表現，性格，關係的刻畫上要花的筆墨和功夫要多得多，就像明星養成遊戲一樣，不是一件容易的事。就算選手離開舞台也是給足了鏡頭和話語權，即使走反下場方向這種小細節也會剪出來，使人物呈現盡可能立體豐滿，就好像告訴觀眾我們新世代從不淘汰無名之輩。以往的綜藝都是嘉賓服務於節目主題，而這個綜藝是節目服務每個選手，再通過選手熱度反哺節目。

那麼節目是如何塑造人物形象的呢？在這裏我們拿tangoz舉例，第六期的時候介紹了他是一名兼職rapper，引出業餘rapper水平不一定業餘的觀點，從而引出tangoz對rap流派自己的看法從而引出《敵意》這首歌的背景，把人物故事和歌曲背景自然的串聯起來，融為一體，從而使觀眾對人物和作品的印象都更加深刻，然後演唱完畢再加上作者對《敵意》的解讀，所以縱觀整個流程，節目沒有把強弱輸贏放到第一順位，而是把故事完整性放到最優先位置，舞台演唱也可以看做，在這個小真人秀裏，豐滿人物的段落之一。

與tangoz相類似的還有第七期節目中的於貞表現上台前的部分，我們先來聽一聽，剪輯選了哪段後采剪了進去，概括一下這段話就是，我選了一首我最好的作品來演唱，這可能是我最後的一個舞台了。在後采中已經暗示了於貞後麵比賽的結局，可能會被淘汰。要知道於貞是第一個返場挑戰的選手。如果是比賽優先的邏輯，剪輯師可能會去剪懸念，雖然對手很強，但是我會全力以赴，這是我最好的作品，over到此為止。剪輯師在這裏選擇了從人物的心境處境出發去剪故事，而不是以上帝視角以比賽為中心去比較勝負。所以賽製在這裏隻提供一個類似戰場的環境，而鏡頭和對白刻畫的是每個鮮活的戰士。讓觀眾記住每個努力的選手而不是戰鬥誰勝誰負，誰走誰留，即使離開的人也是戰士。從剪輯手法上來看這才是節目組想要表達的初衷。

類似的細節還有很多，比如在第六期宣布淘汰時，每個選手的離場過程中，始終都沒有回閃他們演唱部分的鏡頭，而是完整的放出他們走下舞台到離場的每個動作神態。給足每個選手鏡頭，雖然缺點是會導致節目的節奏拖遝，但這是一個網綜，每個觀眾手裏都擁有快進鍵，把自主選擇的權利交給觀眾手裏。完整展現每個人物形象，從這一點上也能看出後期剪輯以人為本的初衷。所以想要歌紅還是人紅，嚴導已經給出了自己的答案。

來源：星馳影視後期

作者：尚濤