西方藝術流派有哪些？印象派的由來和作品賞析

在藝術發展的曆史長河中，最重大的一次變革就是現代藝術取代傳統藝術。這次重大的轉變不是一蹴而就的，除了之前我們介紹的各個曆史時期的流派之外，中間還有一個重要的過渡環節印象派藝術。

印象派，19世紀60-90年代在法國興起的畫派。

印象派的產生是西方繪畫發展的必然結果。繪畫白16世紀威尼斯畫派起就關注光和色彩的描給，尤其是提香；而後經魯本斯、委拉斯凱茲、倫勃朗、哈爾斯和雛米爾等大師的發展，在他們的作品中都閃耀著迷人的色彩，尤其是善於描繪陽光的維米爾，他曾描繪過充滿陽光的房間，可請印象派的先驅者；英國風景畫大師透納和康斯太勃爾的畫中充滿陽光和空氣，使法國的浪漫主義大師德拉克洛瓦如獲至寶，他在自己的畫中都竭力去表現光和色彩，人們稱他是“打開印象派天窗”的畫家；巴比鬆畫派開創室外寫生的先河，這也為印象派畫家開辟了創作取材的道路；庫爾貝的畫中已經充滿了陽光。因此在前輩大師們的探索成就之上，印象派的誕生不是偶然事件。

印象派畫家反對當時占正統地位的古典學院派，認為浪漫主義繪畫是在無病呻吟，他們在柯羅、巴比鬆畫派和庫爾貝等人的寫實畫風的推動下，吸收荷蘭、英國、西班牙、中國、日本等國家繪畫的營養，同時受現代科學，尤其是光學的啟發，認為一切色彩皆產生於光，於是他們根據光譜紅、橙、黃、綠、青、蔬、紫七色來調配顏色。由於光是瞬息萬變的，他們認為隻有捕捉瞬息間光的照耀才能揭示自然界的奧妙，因此在繪畫中注重對外光的研究和表現，主張到戶外去，在陽光下依據眼睛的觀察和現場的直感作畫，表現物象在光的照射下，色彩的微妙變化。由此，印象派繪畫在陰影的處理上，一反傳統繪畫的黑色而改用有亮度的青、紫等色。印象派繪畫用點取代了傳統繪畫簡單的線與麵，從而達到傳統繪畫所無法達到的對光的描繪。具體地說，當我們從近處觀察印象派繪畫作品時，看到的是許多不同的色彩淩亂的點，但是當我們從遠處觀察它們時，這些點就會像七色光一樣彙聚起來，給人以五彩就潮的光感。

印象派不是一個單純的畫派，由於畫派中每個人的興趣不同，藝術主張也由此產生分歧，加上時間的排移，個人藝術風格也逐漸發生變化。因而印象源畫家主要分為重光色與重造型兩類。美術史上將筆統的印象派分為：印象派，代表畫家有馬奈、莫奈、雷諾阿、德加、西斯菜、畢沙羅、莫裏索、惠斯勒等；新印象派，代表畫家有修拉、畢沙羅、西斯菜、西涅克；後印象派，代表畫家有塞尚、凡·高、高更等，如圖3-26所示。

馬奈於1832年出生在法國巴黎，被譽為“印象派之父”，但是他從未參加過印象派的展覽，可是他所具備的革新精神和創作態度，卻深深影響了莫奈、塞尚、凡·高等新興畫家，進而將繪畫帶入現代藝術的道路上，他受到日本浮世繪及西班牙畫風的影響，大膽采用鮮明色影，舍棄傳統繪畫的中間色調，將繪畫從追求三維立體空間的傳統束縛中解放出來，向二維平麵繪畫創作邁出革命性的一大步。他的畫既有古典造型基礎，又有明殼鮮豔、光與色的整體表現，舍去了陰影，卻不失真實感

在當時的法國。參加藝術沙龍是很多藝術家借機展出作品的重要途徑，然而馬奈的作品經常遭到評審委員會的冷落，在經曆多次失敗之後，馬奈走出了他人生最重要的一步，1862年到1863年間馬奈創作了一幅油畫，原名《浴》，後來定為《草地上的午餐》，這幅畫成為現代繪畫起源的標誌性作品，馬奈將其在1863年的“落選者沙龍”中展出，如圖3-27所示。

這耀作品馬奈效仿了占浮宮內喬爾喬肉的《田閱合奏》的構圖，但也不完全是16世紀威尼斯那種田閱詩繪畫。函上那個裸體女子是他在早期畫作《穿鬥牛士服裝的維克多莉娜·數朗》中的模特默朗。她是馬親從街上領回的一個妓女，長期為畫家充當模特兒。此畫一經展出，便引起了罕見的囊動，他直接表現了塵世環境，把全裸的女子和衣冠楚楚的紳士畫在一起，畫中兩位男子和裸體女人的肢體互相交纏，這樣就把此畫的性戀含義凸顯了出來。這一真經叛道的藝術形式默起了一場軒然大波。畫家將3個人物置於同一類樹木茂密的背景中，中心展開了一個有限的深度，不遠處還有一位彎腰站在水裏的女子，成為與前景中3個人物組成的古奧式三角形構圖的質點。畫法上對傳統繪畫進行大職的革新，擺脫了傳統繪畫中精細的筆鞋和大量的棕褐色調，代之以鮮豔明亮、對比強烈近乎平塗的概括性色塊。在技法上，馬奈把繪畫作為二維平麵表現三維空間的手法又向前推進了一步，在對外光和深色背景下出現作了新的嚐試，因此此畫在藝術技巧和曆史意義上都是一個創新.但是這幅作品不管是露材還是表現方法都與當時占統治地位的學院派相悖，因此使他們無法忍受。

1865年展出的馬奈另一件作品《奧林匹亞》1模特和《草地上的午餐》上的女模特是同一個人）。《奧林匹亞》是對提香的《烏爾賓諾的維納斯》進行模仿，可是前者描繪的是維納斯，而後者描繪的是鳳塵女子，所以這就不被道德接納了。這幅作品同樣紋起了一場軒然大液，也陷入同樣尷尬的境地，遭到社會各界猛烈抨擊，被咒罵為“無恥到了極點”。以左拉為首的進步作家和青年畫家們則為馬奈瑞彩。左拉說："馬奈將在盧浮宮占一席地位。.這場爭論使馬奈名聲大振，一批年輕畫家追隨馬奈，努力探索新的創作手法，被當時的人諷刺為“馬條幫"，這就是後來著名的印象派。

印象派運動可以看作是19世紀自然主義傾向的聚峰，也可以看作是現代藝術的起點。有一個人的名字與印象派是密切相連的，這個人就是克勞德·莫奈。如果說印象派的創始人是馬奈，那麼梅印象派發揚光大的非莫奈莫屬，因為他對光影變化的描繪，已達到了爐火純青的地步。

莫奈是印象派代表人物和創始人之一，也是法國最重要的畫豪之一。“印象派”這個名字就是由他的那幅《日出·印象》而來的。印象派的理論和實踐大部分都有他的推廣。莫親擅長光與影的實踐與表現技法，他最重要的風格是改變了陰影和輪廓線的畫法。在莫奈的畫作中看不到非常明確的陰影，也看不到突顯或平塗式的輪廓線。除此之外，莫奈對於色彩的運用相當細膩，他用許多相同主題的畫作來探索色彩與光的完美表達。莫奈曾長翔探索光色與空氣的表現效果，常常在不同的時間和光線下，對同一對象進行多幅的描縫，從自然的光色變幻中抒發瞬間的感覺。對這一藝術環境的形成以及描繪現實的新手法，莫親貢獻比其他任何人都多。

莫奈也有一幅叫做《草地上的午餐》的名作，如圖3-28所示。據說，現存的這幅作品隻是小的草圖。年僅25歲的莫奈在含依普畫過一幅尺寸很大的《草地上的午餐）。那時，庫爾貝也在這個地方作畫，他很喜歡莫奈的作品，常來看他作畫並給《草地上的午餐》提一些慘改意見。此畫完成後，莫奈十分後悔聽了庫爾貝的意見，對作品很不滿，決定不送沙龍展出。在離開含依時，莫奈因繳不起房租而將此畫作抵押，可惜因房屋潮濕，後來這幅巨作被損毀了，僅留下了這幅小的草圖。這幅畫從題材和構圖上來看肯定是受馬奈的《草地上的午餐》的啟發而作的，也可能是想和馬奈一比高下。雖然與馬奈是同名作，但是它們有很大的不同。首先馬奈的作品是在室內完成的，而莫奈卻是在室外按照自然界的實際光色去完成的，相比之下，莫奈的《草地上的午餐》在描繪外光的生動和景物的真實自然方麵，確有過之。其次馬奈的作品是從道德層麵把印象派和傳統藝術對立起來，而莫奈是從繪畫技法上把印象派和傳統藝術對立起來。畫中陽光透過林木酒在人物身上和地麵景物上，透明燦爛，令人耳目一新。莫奈在視覺觀察方麵無疑是一個富有創造性的天才，他善於從光與色的相互關係中挖掘前人從未發現的某種現象。他把全部注意力都集中在光與色上，從而找到了最適於表達光與色的明度差別變化的形式，他把這種光色明度差別變化從繪畫的各種其他因素中抽象出來，並把它提升到其他人無法攀登的高度。莫奈的視覺觀察是天才的、創造性的、無與倫比的！

從印象派的產生、發展來看，莫奈是這一流派的開創者與發揚光大者，他將畢生精力獻給了印象派繪畫藝術。在他的帶領下，一大批藝術家通過不懈努力，突破了學院派保守思想的束縛，對19世紀後期西方畫壇占據統治地位的官方藝術予以了極大的衝擊，從而翻開了西方現代繪畫史嶄新的一頁，為後世留下了寶貴的藝術財富。應該說莫奈是印象派畫家中最先獲得成功的人。

印象派是眾多畫家的總稱，但是不代表每一位畫家都有共同的藝術傾向。隻有把握他們的共性，又能區分他們的不同，才可以對印象派有更深層次的了解。德加就是一位特立獨行的印象派大師。德加與其他印象派畫家持有不同的觀點。第一，一般印象派主張戶外作畫，對景寫生，他則堅持室內作畫，強調用記憶來作畫，反對莫奈和其他印象派畫家完全的對景寫生。另外，他繪畫的對象不是景色，而是人。第二，他強調用素描來表現生動的形象，盡管他采用了最為廣泛的創作手法，但是最終還是選擇了色粉畫作為自己標誌性的創作手法，正如他所說：“我是善於用線的色彩畫家。”他把色彩僅僅看作是從屬對象，而側重於用素描來“捕捉動態”。德加是安格爾弟子的學生，他追隨古典主義素描的步伐，在線的運用上，達到了所有安格爾的弟子及其追隨者沒有一個能夠企及的、妙筆生花的地步。他通常被認為是屬於印象派，但他的有些作品卻具有古典主義、現實主義或浪漫主義畫派風格。

在印象派畫家中，德加可以稱為是現實主義繪畫巨匠。他所描繪的題材大多是巴黎普通老百姓的生活場景，跑馬場和劇院是他經常出入的場所，因此他的很多作品都表現的是賽馬或芭蕾舞女演員，因此成了表現運動的能手

如圖3-29所示，這幅《舞台上的舞女》是德加的代表作之一，表現了一位輕盈的舞女從後台翩翩登場。畫家以她的動作為媒介，展示了光與色的絢麗。這裏的光與色與莫奈畫麵的光色是不同的，這是室內燈光照射的效果，它成為印象派繪畫中最膾炙人口的佳作。舞台上的布景與綠色的地毯搭配得相得益彰，烘托出光照下的舞女形象，顯得虛無而縹緲、靈動而絢麗、多彩而變幻。有心的朋友會發現，這幅作品和以往我們見到的其他大師作品的構圖有著明顯的不同，采用的是俯視加近鏡頭的構圖方式。這種構圖在現在的電影、攝影或漫畫中是很常見，但這種奇特的視角在當時可以說是一個具有革命意義的創舉。為了反襯出人物的生動，故而去強調無生氣的細枝末節。這些方法的創造與今天的攝影機給我們的視覺感受不謀而合。

在所有印象派畫家中，雷諾阿也許是最受歡迎的一位，因為他所畫的都是漂亮的兒童、花朵、美麗的景色，特別是可愛的女人。少年時的雷諾阿被送到瓷器廠去學習手藝，畫瓷器和畫屏風這項工作使他對繪畫產生了濃厚的興趣。於是雷諾阿便到美術學校學習繪畫，同時又在格萊爾的畫室裏補習素描。在那裏，他結識了莫奈、巴齊耶和西斯菜，他們組成了“四好友集團"，經常走出畫室到大自然中寫生。

雷諾阿同樣也以畫人物出名，在他的畫中，我們能感受到甜美的人物和悠閑的氣氛和諧融洽。

他所表現的人物都有豐滿的體態，明亮的臉和纖細的手。印象派中雷諾阿的特色就在於他能把握並描繪迷人的氣質，從他的畫作中你很少能感覺到苦痛或是宗教情懷，但常常能感受到人間溫暖，如慈母或是長姐般燦爛的笑容。雷諾阿認為繪畫並非刻意去分析光線和安排布局，繪畫隻是要帶給觀眾心情的愉悅，他把從模特那裏所得到的賞心悅目的感覺直接地表達在畫布上。他曾說過：“為什麼藝術不能是美的呢？世界上醜惡的事已經夠多的了。”他是女性形象的崇拜者，他說：“隻有當我感覺能夠觸摸到畫中的人時，我才算完成了人體肖像畫。

19世紀70年代雷諾阿和莫奈經常共同外出寫生作畫，切磋畫技，共同探素畫中的光與色的描繪。1876年，雷諾阿在《紅磨坊的舞會》一畫中，真正實踐了“光是繪畫的主人"這一句印象派的口號，這幅作品是印象派繪畫在風俗方麵的重要代表作，如圖3-30所示。它描繪的是巴黎的一個著名咖啡館的露天舞會。畫麵用藍紫為主色調，使人物由近及遠，產生了層次豐富的節奏感，畫麵似乎並未完成，更像是一幅速寫。雷諾阿把主要精力放在對近景一組人物的描繪上，生動地表現出陽光和樹影在人物身上和臉上那光色斑瀾的跳躍感，呈現出鮮豔色彩的悅目混合，渲染了舞會的氣氛，這幅西既表現了一個狂歡的場麵，又捕提到了在貴族舞會中常有的那種無憂無慮的生活情趣。畫家甚至用帶有速成式的粗放筆觸來表現前景的幾個人物，這一反程式的大膽手法不僅沒有讓畫麵失真，反而使畫菌更加活躍、跳動、閃爍。這一作品用這種方法表現規模索大的場麵，透過樹叢的星星點點的陽光，酒落在人們的身上、臉上、桌上和草地上，是印象派繪畫在風俗方麵的重要代表作。表麵上看作品是描寫費場熱鬧和歡快的氣氛，實際上畫家真正想要表現的是透過樹葉間腺照射下來的陽光.

需諾問在創作上把傳續畫法與印象派畫法相結合，以絢麗透明的色彩表現出陽光與空氣的鼓動.這種明朗歡快的氣氛別具一格。

由於追求外光和色彩的表現，印象派畫家將身邊瑣事與見聞作為創作題材，以自然界中的人物或風操作為描繪對象，在構圖上多裁取客觀物象的某個片段或場景來人畫，打破了寫生與創作之間的界限。

印象派畫家先後舉辦了8次展覽，雖然前兩次均受到當時類論界的猛烈釋擊，但是之後的6次展覽使其逐漸成為具有影響深遠的美術流派，並擴大到其他藝術領域，推動了以後美術技法的革新與觀念的轉變，對全世界畫家都產生或大或小的影響。雖然馬奈沒有參加這8次展覽，但他一直給予鼓勵和支持。作為一種美術思潮，印象派繪畫在世界美術史上具有重要地位。

新印象派，又稱點彩派，是繼印象派之後在法國出現的美術流派。1886年5月，在巴黎舉辦的第八屆印象派作品展覽上，修拉展出了他的一幅畢生傑作《大碗島上的星期日下午》，獲得極高評價。同年12月美術批評家亞塞奴·亞曆山大在一家雜誌《艾維奴量》中首次用"額印象派"

一詞來稱呼以修拉為首的一群畫家，包括修拉、西濕克、畢沙羅、呂斯、克羅斯等。這就是新印象派名稱的由來。

新印象派的出現和科技的發展有密切的聯係。光學和色彩學的理論及實踐成果得到進一步的鞏因，有力地推動著包括繪畫在內的造型藝術從觀念到技術上的革新。新印象派畫家們吸收了關於色彩對比以及顏色、色調並列所產生的混合效果的理論，認識到單純色彩通過視覺的混合比色影色素的混合更有藝術效果，此外，一些學者強調科學在繪畫中的重要作用，主張運用科學成果來服務給畫創作，進一步促進了新印象派的誕生。

至於新印象派為什麼又叫點彩派，可以從代表畫家們的畫作中找到答案。畫家們大多直接用畫筆藤純色點到畫布上，而省去了調色盤這一中間環節，他們在畫麵上使用純色，這樣中間色通過畫而距離在眼中自然混合而產生。例如，綠色是用黃色和藍色調成的，但如果畫家把黃色和藍色酸點到麵布上，不使其在調色板上混合，觀眾的眼睛在一定的距離看過去時，仍是“綠色”的感覺，這樣就避免了在調色板上所造成的色彩混濁，保持了色彩本身的明度與純度，使畫而鮮絕活潑。新印象派除了在色影上的細密分割之外，還在構圖上運用數理的構造，把控整體布局，使得整體與部分的關係、人物運近大小關聯，均依固定比例分割。他們在繪畫上大膽采用了希臘有名的“黃金分割”原則，從形態關係上追求的律的統一。新印象派把西方繪麵史上的點彩法和分割法的因素加以發揚光大，自成完備的體係。

新印象派的倡導者是修拉。白西涅克邀請修拉參加印象派，向修拉炫耀了純色的優越性後，慘拉便在畫布上堆起與環境、陽光、顏色的相互作用相符合的小圓點來。修拉潛心研究關於色彩學的著作，他認為印象派的用色方法，不夠嚴謹，多次出現了不透明的灰色。他試圖把感覺加以綜合上升到理性分析，變成科學的表現形式。

《大碗島上的星期日下午》是修拉色彩科學實驗中最具代表性的作品，也是新印象派的標誌性作品。這幅名畫描寫的是巴攀近郊奧尼埃的大碗島上一個晴朗的周末，遊人在用光下聚集在河濱漫步、休息，有的斜躺在樹蔭下，有的在河中劃船，愜意而經鬆。前景上的一大塊暗綠色調是畫麵外大樹留下的陰影，放眼望去，草地被午後強烈的陽光照射，散發燃黃的氣息，陽光透過樹林，將樹木的陰影散布在草地上，明暗色彩也瞬間被拉開。各種顏色的裝束彼此交相呼應，給人以一種裝飾地毯的視覺效果。畫上的人物也畫得很平板，一個個看不清麵孔和五官，輪廓也顯得含糊不清，似平所有物象都是那麼的影影飾掉。

點彩繪畫是一種很有意思的繪畫方法，道理並不深奧，和小朋友經常玩的拚圖遊戲類似，一點顏色就是一塊拚圖，七彩的顏色被藝術家有序地拚接在畫麵上，遠遠看去就變得很完整了。看修拉的畫感覺很朦朧，人、靜物、景物好像都置身於一個虛幻的世界中。遠看整體感強，走近看，又發現了更多色彩。色彩豐富、畫麵生動有起伏。此畫的整個創作過程約分3個步驟；1，用素貓的方法確立明暗關係；2，以色彩來組織畫麵；3，以色點完成正稿。在正稿之前，修拉共作素描20餘幅，寫生稿更不計其數，正稿如圖3-31所示。

修拉的畫作雖說不多，但尺寸一般較大，他的畫法在很多人看來機械呆板，隻單純地追求形式美，失去繪畫本身的肉涵。但他的作品卻具有重要的影響力，因為這些精心設計的作品表現出對幾何學和形式結構要素的關注，影響了20世紀抽象藝術家的創作。新印象派在近代美術史上，隻是試驗性地存在了一個短時期，在當時並沒有產生什麼重大影響，但是它對後來的現代藝術卻帶來了不少影響。例如，“歐普藝術”（“光效應藝術”和“視幻藝術”）在色影的表現上就是世新印象派的啟示。19世紀末，當印象派在巴黎畫壇方興未艾時，其中卻滋生出兩支派係的藝術傾向：一支是前麵講的建立在機械唯物論思想基礎上的“新印象派”；另一支流派也順沿印象派，但實際上後來是以強烈的個性表現出對印象派的反對，被稱為“印象派後派"，也稱“後期印象派"，簡稱“後印象派"。在此時的西方畫壇，許多曾受到印象派熏陶的藝術家們開始反對印象派，除了新印象派畫家外，被稱為“後印象派”的畫家們也是一支反對派別。他們不滿足於片麵的、喜觀的光與色，強調作品要抒發藝術家的主觀感受，於是開始嚐試對色彩及形體等表現因素的自我運用，後印象派自此誕生。後印象派不是印象派的後期。換句話說，後印象派不是印象派，嚴格地說，是與印象派本質不同的、在印象派之後產生的一個新的藝術思潮，甚至算不上一個派別。後印象派包括許多藝術家，主要代表人物是塞尚、凡·高和高更。1911年，在英國倫敦舉行了塞尚作品展，英國藝術評論家傑·弗菜撰文介紹這些藝術家時，把他們稱為“後印象派”

塞尚，法國著名畫家，是後印象派代表畫家之一，他作為現代藝術的先驅，被西方現代畫家尊稱為“現代藝術之父”或“現代繪畫之父”。從塞尚開始，西方繪畫從追求真實的描繪自然，開始轉向畫家自我情感的宣泄，自他開始藝術界逐漸誕生了形形色色的形式主義流派，開辟了現代繪畫的潮流之路。他對物體體積感的追求和表現，為後來“立體派”開啟了廣闊的思路，他所強調的主觀色彩特性大大區別於先前強調客觀色彩感覺的畫家主張。塞尚認為："畫畫並不意味著盲目地去複製現實，它意味著尋求各種關係的和諧。

塞尚經畢沙羅的介紹加入印象派，並參加了第一屆印象派畫展。他不拘泥於印象派的光色分析，而為捕捉轉瞬即逝的自然現象而苦苦探索。他將自己的情感注入畫作，從而確立了自己的藝術方法和風格。初看塞尚的人物畫，感覺似乎木訥僵硬，完全不真實，缺乏感性魅力。當你仔細揣摩他的靜物，回頭再看看他的人物畫時，又會覺得淳樸有味。他的靜物顯得那般的僵硬。他沒完沒了地畫著靜物，為了探索各種靜止物體的“基本結構"，一畫便是幾個星期、幾個月，甚至幾年，直1到水果幹癟縮水，襯布上堆積厚厚的灰塵。為求物體的立體感，他充滿激情地尋找著物體的厚度與深度，筆觸渾厚濃重。當畫筆不能體現色彩的強烈質感時，調色刀就成為替補。他的作品有《蘋果與桔子》、《靜物蘋果籃子》、《埃斯泰克的海清》、《聖·維克多山》、《玩牌者》、《穿紅背心的男孩》等。

1895年至1900年的5年時間裏，塞尚創作了這幅《蘋果與橘子》，如圖3-32所示。作品通過自色桌布與鮮豔的水果的強烈對比，反襯出冷暖的色彩對比；圓形、半圓形、方形和棱形相互襯托；弧線、豎線、斜線互為交錯，這些色和線的交響，構成了統一和諧的布局。視覺上給人以強烈的刺激，也給觀眾的腦中留下難忘的藝術效果。靜物的色彩是那樣單純，那樣富有“活力”。對1比一下卡拉瓦喬的那幅最早的靜物，是不是更能給我們帶來絢爛的視覺效果？正如畫家自己所說的：“我打算隻用色彩來表現透視，一幅畫中最主要的東西就是表現出距離，由這一點可以看出一個畫家的才能。"畫家以色彩體現體積和空間，從視覺效果上要遠勝於以前以物體質感取勝的寫實畫麵。為什麼塞尚如此強調體積和空間感，以致有些物象被他畫得既變形又走樣呢？這正是畫家的內在精神氣質使然。在他看來靜止的物象成了擁有情感的結構綜合體。塞尚說過：“一幅畫首先是，也應該是表現顏色。因為一切都藏在它裏麵，因為畫家不是沒有頭腦的蠢漢。"塞尚能成為“現代繪畫之父"是有據可依的。

凡·高的藝術道路值得研究，他27歲開始學習繪畫，37歲離世，在短短十年時間中。他從一個默默無聞的普通人，成為一位偉大的具有裏程碑意義的大師。凡·高可以說是一位自學成才的天才畫家。他從小受到藝術廉陶，又有極高的文學素養，這使他具有很高的藝術鑒貫力。凡·高曾經在比利時礦區博裏那日從事牧師工作，他在那裏曾遭受巨大的精神打擊，對上帝幾乎絕望，然而他卻在迷茫與圖惑中找到了一生的歸宿-繪畫。他開始大量焰事名畫，並畫了大量素描習作。學畫初期他喜歡倫勃朗，喜歡米勒，他用自己的畫筆描繪農民、工人等社會底層的人。深沉厚實的風格雖與其以後的畫風有極大的反差，但畫中所表現出的氣質與精神卻是永恒不變的。

凡·高早期作品受印象派和新印象派畫派影響，代表作有《食土豆者》、《塞納河濱》等。

他昔兩次在咖啡館和飯館等地向勞工階層展出自己的作品。不久，他厭倦了巴黎生活，來到法國南部的阿爾勸，開始追求更有表現力的技巧；同時受革新文藝思潮的推動和日本繪畫的啟發，大膽探索，向由抒發內心感曼的風格，以實現線和色彩的自身表現力以及畫麵的裝飾性、寓意性。凡·高在巴黎結識了印象派的西涅克和高更等畫家後，他的畫明顯變亮了，畫裏的色彩特征與其他印象派畫家的色彩出現了本質上的區別。由於他對人與自然特有的觀察力，因而反映到畫麵上就有了非凡的個性。凡·高認為自己的作品與一般印象派畫家的作品相比是不同的另類。他說：“為了更有力地表現自我，我在色彩的運用上更加隨心所致。"其實，不僅是色彩，連透視、形體和比例也都變了形，以此來表現與世界之間的一種極度痛苦但又非常真實的關係。而這一鮮明特征在後來成了印象派區別於其他畫派而獨立存在的根本。

凡·高在繪畫上毫無經濟收入，隻是在他離世前，隔壁的一位老太太用了400法郎買了他的一幅油畫，這應該是他一生中唯一靠繪畫得來的收入。據說這幅畫也是他的弟弟提奧托這位老太太買的。他的生活費用也來源於提類每個月給他郵寄的100法船。倘若凡，高隻是生活，這些錢尚可維持溫飽，但是凡·高是那麼的熱愛繪畫，所以他堅持用這些錢來購買別人賣不出去的畫，或者把錢送給比他更窮的人。他經常一周或十天隻喝清水，吃除來的麵包，生病時，他會平靜地躺在地上.孤獨地忍曼命運的不公。凡·高後來得了精神病，因為妓女的玩笑話割了自己的一隻耳朵，在醫院裏他創作了《割了耳朵的凡·高》。凡·高說他想表現的是一幅“現代的肖像畫"，然而在一百多年後的今天，這幅畫仍然是那麼的感人，的確他的畫很現代，甚至組前。之後他進了精神病院在那裏還完成了名畫《星夜》。他在阿爾還畫了《同爾的女人》。凡，高一生沒有妻子，但是不表明他沒有愛情，據說這幅肖像畫的模特叫瑪雅，她也許是凡·離一生中唯一愛他的女人，她向他表白：在凡·高失業後第一次拿起函筆的時候，也就是8年前，她就認識井愛上了他，然而那時他卻一無所知，凡·高自卑地麵對瑪雅的愛情表白，在他看案，自己是天下最醜陋的男人，瘦骨導詢還禿著頭，怎麼會有人喜歡自己呢，然而瑪雅愛的是他的熱情與執著。值得注意的是，這位女士是那個時代對凡·高藝術作品做出唯一正確評到的人。就連凡·高自己也不會想到今天自己的作品會如此賣座，當然我所說的賣座不是單純的價格，而是包括他的藝術價值。瑪雅對失落的凡·高說道：“你是一個了不起的畫家，人們今天不理解你的東西不代表日後不被人理解。你的作品日後會賣上一百萬，將掛在阿姆斯特丹、海牙、巴黎和柏林的博物館，成為無價之寶，成為人們爭相膜拜的對象；將來會有很多人寫評價你藝術價值的書；不論在何時何地，隻要有兩個熱愛繪畫的人在一起交談。凡·高這個名字必然要提起，而且是那麼的光彩與神聖！"在今天看來，這位阿爾的女人可謂先知，她的評價多麼精準。

堪稱凡·高化身的《向日葵》，可以說是凡·高最為大眾熟知的一幅作品。凡·高曾多次描繪以向日葵為主題的靜物，他一生中共創作了11幅《向日葵》，有10幅在他死後散落各地，隻有一幅目前在凡·高美術館展出，如圖3-33所示。當然，這個數據還有待商榷，因為時而有真品問世.

時而不乏騰品被披露。在凡·高看來，太陽落到地上就成了向日葵，而天上的太陽正對應著凡。高的思想感情：熱烈、富有陽光氣息、充滿愛。他以《向日葵》中的各種花姿來表達自我，有時甚至將自己比擬為向日葵。這一作品也是他在最痛苦的煎熬中傾心繪製出來的最充滿光明的精神追求的作品。畫麵上，濃重跳躍的金黃色似乎帶著燃燒的激情，粗獷奔放的筆觸表露著對美好生活理想的渴求。凡·高筆下的向日英已不是單純的植物，而是帶有原始衝動和熱情的生命體。

凡.高在1890年7月29日，因精神疾病的困擾，在麥田中用手槍結束了自己年輕的生命。第二年在巴黎舉行的凡·高藝術回顧展上，他的作品震動法國藝術界。之後幾年，一些畫家就開始模仿他的畫法，為了表現強烈的感情，可以不對現實做如實的反映，這種創造性的態度被稱作表現主義。法國的野獸主義、德國的表現主義及20世紀初出現的抒情抽象主義等，都是從他的創作中得到啟發，形成了各自不同的繪畫流派。

後印象派將形式主義藝術發揮到極致，幾乎不顧及任何題材和內容。在藝術表現上，後印象派更加強調構成關係，認為藝術形象要異於生活的物象，用作者的主觀感情去改造客觀物象，後印象派帶有強烈的主現主義色彩，他們的畫作可以稱為“主觀化了的客觀"。他們在尊重印象派光色成就的同時，不去片麵地追求外光，而是側重於表現物質具體而又穩定的內在結構。可悲的是，後印象派西家大多是在去世後才得到社會的承認，但是，他們共同開啟了現代藝術的大門。在他們的創作思想和藝術觀念影響下，20世紀產生了現代主義藝術的請多思想，例如，野魯主義、表現主義、立體主義、超現實主義、抽象主義等。至此，西方給畫的麵貌被徹底地改變了，由客觀再現走向主觀表現。因此，可以說，後印象派畫家為西方給畫藝術史開啟了另一扇嶄新的大門。

讓我們走進這扇與以往藝術都不同的大門吧。西方現代派藝術，是指西方國家從20世紀初發展起來的現代美術中的某些流派，如野獸派、表現漲，立體派、機械派、來來主義畫派、形而上畫派、超現實主義畫派、軸象主義畫派，達達主義畫添、大地藝術、偶發藝術、波普藝術、概念藝術等的統稱。“現代派"一詞是和某種新的、豐傳統的、區別於過去的藝術思想聯係在一起的。現代派藝術既不同於以往的傳統美術，比如傳統藝術求真寫實，現代派藝術則堅持繪畫作品中的藝術影象可以與客觀物象無關，作品重視純粹的形式或色彩感，肉容和情節無關緊要，所以說現代派藝術是對以往藝術的顛覆，同時現代派藝術也不包括現代的各種現實主義流漲，比如說畫家雖然生活在現代，但是畫家的畫風卻是古典主義或者現實主義的，這種藝術作品也不能和現代藝術流派混為一談。

現代藝術的誕生是必然的，因為哲學的辯證法告訴了我們，任何事物發展到一定階段就會向相反的方向前進。求真務實的傳統藝術發展到了一定階段後必然也會向反麵轉換，但是這種轉換不是分裂，所以很多人會信心滿滿地說：現代藝術太簡單了，你看看畢加素的畫，還沒有我畫的好！如果你這麼理解，那就很無知了。因為現代藝術不是從天而降，它是根植於傳統藝術的。西方現代派藝術的出現是有其政治、經濟、文化、哲學的曆史根源的，是與現代西方社會的發展進程緊密相連的。新技術革命使社會結構與人的思想意識觀念發生了改變，攝影技術的日益成熟、東方藝術和非洲藝術的傳播，康德、黑格爾、尼果、弗洛伊德等人的哲學與心理學影響，以及西方現實社會的種種矛盾和弊端的暴露，都促進了現代派藝術的形成。而現代藝術本身的發展是和整個歐洲美術發展曆程息息相關的，現代派藝術思潮是從印象派前後這個時期萌發的。確切地說，起源於法國後印象派畫家塞尚、高更和荷蘭西京凡·高。

1905年，以馬蒂斯為首，弗拉曼克等人為骨幹力量的野善派在巴黎誕生。在這一年的秋季沙龍中，馬蒂斯展出了兩幅作品。這兩幅作品粗野奔放的筆觸、均勻純樣的色調搭配虎證不羈的線條連同與其擺放在一起的那尊溫文爾雅的多納太羅雕塑，令在場的一位藝術評論索大驚失色，他大呼道：“多納太羅的雕型被一群野善包圍了。"野獸派因此得名。野獸派代表畫家有馬帶斯、弗拉曼克和德蘭，他們從塞尚的作品中得到啟發，在藝術形式上深曼高更和凡·高的影響，用強烈的色彩、粗野的線條、扭由誇張的形體，來表現對客觀世界的主觀感受。

與此同時，表現主義在德國誕生，他們同樣主張否定客觀存在，強調藝術家主觀感妥。但是他們與野普派不同的是，他們並不注重純粹形式的探究，而是用繪畫的語言來表示對現實的不滿，代表西家有擇威的蒙克。

1908年，以西班牙西家畢加索和法國畫家布拉克為首的立體派在巴黎萌生。立體派主張將-

切物象加以分解和破壞，再加以主觀上的整合，甚至發展到把同一物體的幾個不同方向的而組合在同一畫麵上，借以表達四維空間。這一風格徹底順覆了觀賞者的常規視覺思維，因此在現代藝術的道路上，立體派比野獸派和表現主義走得更遠。

近代畫壇上，許多畫家以改革者或宗派開創人自居，他們不願意隸屬於某個派別或者固定的團體。萊熱就是其中之一，他率先開創了機械派繪畫風格。萊熱本來屬於立體派。在1907年至1908年期間，他受到塞尚畫風的影響，畫而中經常出現圍簡形、半圓形等幾何形態。第一次世界大戰之後，汽車、飛機、大炮等給萊熱帶來了新的創作靈感，他逐漸從立體派轉型為機械派，確立了一種獨特的畫風。

自立體派形成以後，各種新理論、新觀念紛紛湧入歐洲。未來派就是其中之一，1909年2月意大利詩人馬利奈蒂在巴黎的《費加羅報》上發表《未來主義宣言》，對陳目的古典美術公然提出排戰。他在這一年中，向全世界發表了一個宣言，這個宣言以浮誇的文部宣告過去藝術（過去派）的終點和未來藝術（未來派）的誕生。從宣言中可以看出未來派的藝術主張，他讚美機器、物質文明和衝擊力的新時代的價值。在馬利奈蒂思想的鼓動下，畫家卡拉、博養尼、魯索洛、巴拉和塞韋裏尼在米蘭簽署的《未來主義繪畫宣言》發表，宣言呼籲畫家們發展未來主義的風格。於是，未來派在1909年以前衛的姿態開始在意大利發展。他們排斥過去作為繪畫手段的情調和預期的趣味，稱頒有獨創性的形式，在主題上也否定老一套的東西，認為重要的應是描給現代的都市生活，諸如鋼鐵、速度、刷烈的運動等，他們甚至把戰爭、暴力和恐怖都看作是確毀舊世界，創造新未來所必需的手段。未來派的美學主張與表現主義有相同的地方，隻是他們特別強調表現運動和力量，口號更激進，思想也更極端，綱領更明魂，虛無主義的色彩更濃厚。

正當意大利轟轟烈烈地進行著未來主義運動時，有一些藝術家開始對未來主義表示出不滿的情緒，認為未來主義隻是一味地去追求肢解形象，進而組合成動感的畫麵。他們主張繪畫應該表現出人們通過哲學進行幻想後所強化的形象，並結合“非現實”的背景來向觀者傳遞神秘感。基裏詞是這一畫派的開創者。他說：“真正的藝術，應該是更完整、更深奧而複雜的，換言之，就是影而上學的藝術。“這也是“形而上繪畫”名稱的由來。形而上畫派著力表現西方社會的病態，對科技進步持懷疑態度。如同它的名字，這個畫派深受攝本華和尼采唯心主義的影響，但弗洛伊德思想的影響更大。事實上，他們比後來的超現實主義畫派更早地體現了精神分析學中關於直覺、幻黨和潛意識的應用，作品中充滿了神秘怪異的氣氛，描繪的多為物體的穩固、無時間性和不朽性。

1914年至1918年的第一次世界大戰給歐洲各國留下了慘痛的創傷，一批青年藝術家齊集孩士他們追求的崇高理想和光明前景已被戰火燒光，出於對社會的強烈不滿，他們於1916年4月16日發表了《達達宣言》，達達派就此誕生，達達派的基本主張認為藝術就是非藝術，掏應否定藝術，歌領新藝術就是非藝術。從而出現了一係列怪巡荒謬的作品，如杜桑的《帶胡須的聚源麗莎》。.

1924年，在法國的葡萄牙詩人，原達達派骨幹分子布萊鎖發表了《超現實主義宣言》，並提出超現實主義就是“純精神無意識的行動”，這種所謂的自動記述法，利用圖畫象征、造型隱瑜、改變環境等手法，表現荒謬、混亂的感覺和形象。細現實主義說白了就是夢境，它遵貓的是真地利心理學家弗洛伊德精神分析學的“潛意識”學說。這一學說認為，人一切行動的最深刻的原因是人的下意識、無意識，現實生活僅僅是表麵的、虛偽的，真正的“現實"則是藏在心中的下意識和無意識，因此表現下意識或無意識的作品就被稱為超現實主義作品，最廣為人知的超現賣主義大師就是達利了。

1901年前後，經過多年僑居法國的俄國畫家康定新基、荷蘭畫家蒙德裏安等人的數年摸索抽象主義終於形成，藝術家接脫造型藝術再現視覺感受的傳統，把點、線、而視作自主的表現力元素，使之賣成有象征意義的符號，從而把藝術家的情感傳達給觀眾，第二次世界大戰後，美國動作兩派的創姓人傑克遜·渡洛克開始轉向抽象表現主義。他不用筆畫，而是在畫布上亂撤料；畫而上沒有任何具體形象和生活內容，隻有遊點狀的東西擴散開去，從而超越了有框繪畫的狹小範圍.

使畫而具有一種無限空間的感覺。進入20世紀60年代，獨象表現主義更加趨於形式化，於是有的藝術家反其道而行之，從“極端抽象”轉入“豐常具體"-轉向生活中的實物。這就是始於英國而後風凰美國的波籬藝術（也稱流行藝術），它是第一個由美國興起的藝術運動，美國興起此藝術運動與當時紐約想要取代巴黎成為世界藝術中心是有關係的，波善藝術也是第二次世界大戰之後西方藝術的第一個重要的運動，享有的地位無與倫比。它是戰後漫長風格實驗的開端，標誌著一個新的時代的到來。自此之後的一段時期裏，西方現代藝術的中心從巴黎轉移到了紐約。

馬需斯，法國著名畫家，是野獸派的創始人及精神領袖。由於野獸派沒有具體的機構，因此馬滿斯不是實際領袖，隻能說是精神領袖。他以使用鮮明、大膽的色彩而著名。由於一次生病，令馬蒂斯的繪西熱情一發不可收拾，這個偶然的機緣成為他一生的轉折點。1890年，在他20歲的時候由於圓尾炎手術在家養病休息。為了排遣寂寞，母親給他買了畫具，馬蒂斯從此走上了他熱愛的藝術道路。用他自己的話說：“我好像被召喚著，從此以後我不再主幸我的生活，而它主率我。"馬蒂斯起初學畫並非一帆風順，他的老師訓斥他是連透視都不懂的門外漢，後來他遇到了對他影響最大的老師奧古斯塔夫·莫羅，可以說是莫羅塑造了馬蒂斯。莫羅曾對他的學生說：“在藝術上，你的方法越簡單，你的感覺就越明顯。“正是這句話引導了馬幫斯的繪畫風格，使他能夠用簡潔的線條和鮮明的色彩塑造出他所構想的一切，對他終生的藝術創作產生了深運的影響。

馬蒂斯一生遊曆了世界上很多國家，他兼收並蓄，吸收了非洲藝術、東方藝術，特別是日本版畫的精華，其中還包括阿拉伯裝飾圖案。在慕尼黑參觀宗教展覽時，他自認發現了最重要的畫麵裝飾。他在創作時找到了一種直接的表現手法，以強烈的原色對比和粗獷的線條體現自己對客觀事物的感覺，透視和明暗完全被他摒棄了，可是他的構圖仍是有秩序的生活境界。

《紅色的和諧》就是馬蒂斯的代表作品之一，如圖3-34所示。在《紅色的和諧》上，我們看不到透視，隻有色彩凝結成一幅對比強烈的圖案世界。黃與紫、橙與藍、紅與黑單純又強烈的對比，充滿了原始的稚氣。像他在阿爾及利亞、西班牙等地見過的東方掛毯或其他裝飾物一樣，一切都是平麵的。馬蒂斯認為藝術有兩種表現方法，一種是照原樣幕寫，另一種是藝術地表現，他傾向於後者。他說，“我所追求的，最重要的就是表現…我無法區別我對生活具有的感情和我表現感情的方法。

他從原來追求動感、表現強烈、無拘無束，漸漸發展成追求一種平衡、純潔和寧靜感。馬蒂斯是一個善於吸取各種藝術門類優點的人，他研究東方地毯和北非原始的配色法，並將它們發展成種對現代設計有巨大影響的風格。20世紀初，法國的野獸派運動是西方繪畫史上的一次巨大變革，其意義和後來的立體派、抽象派和超現實派有本質的區別。

如果說野獸派是對傳統藝術色彩表現方法的徹底否定，那麼立體主義就是對傳統藝術中的形體表現方法的徹底否定。

早在印象派時期塞尚就提出，繪畫中的物體由圓形、方形、三角形等幾何形體構成。立體主義更進一步主張繪畫中的物體由圓球、立方體、維體等構成，否定傳統繪畫中的透視，認為繪畫中物體不同的麵要繪在一個平麵上。